Reseñas de Películas

Las Cincuentas Sombras de Grey y Los Éxitos Taquilleros
Otra comedia romántica. Otra película taquillera. Otro negocio millonario. ¿Buena o mala? ¿Con ganas de más o con ganas de salir del cine?

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He aquí varias razones por las cuales un éxito taquillero puede ser malo y aún así tener la osadía de querer convertirla en una trilogía.

Para empezar, Dakota Johnson y Jamie Dornan, los protagonistas de “Cincuenta Sombras de Grey”, son muy distintos. Uno hace una buena actuación (tampoco extraordinaria, pero muy convincente) y el otro es como una piedra (no expresa emoción en ninguna escena, siempre mantiene la misma expresión). Uno llega a ser sorprendentemente sexy y el otro sólo logra ser chocante y aburrido, a pesar de sus logros románticos.

Este, yo diría, es el caso contrario en la saga “Crepúsculo”; pues, en esta ocasión, la dama es la buena actriz y el caballero sólo sirve de muñeco de aparador (a menos de que estuviera haciendo el papel de “hombre biónico”, el giro inesperado de la saga; en ese caso, ¡excelente trabajo, Jamie!).

Pero esta no es la única similitud de la saga de E.L. James (la escritora de los exitosos libros eróticos, llamados en la comunidad americana como “porn for moms”) a la de Stephenie Meyer (creadora de la igualmente exitosa saga literaria “Crepúsculo”), la historia es básicamente la misma: un hombre bueno con un lado oscuro (Edward Cullen es vampiro, Cristian Grey es adicto al sadomasoquismo) y una niña buena y torpe con curiosidad de explorar esos lados tenebrosos (Anastasia Steele está a punto de firmar un contrato para ser la “sumisa”–en otras palabras “esclava sexual a quien sacan a pasear y le compran regalos”–y quiere hacerlo, pero por alguna razón se niega; Bella Swan quiere realmente ser un vampiro y vivir con Edward, pero por prejuicios internos ella misma se lo impide).

No he leído los otros libros de James, pero es lógico el final: el hombre acabará ablandándose emocionalmente y la mujer terminará cediendo al sexo violento. La típica historia de amor con un giro distinto, pero con el mismo fin. Por tanto, esta historia no aporta nada nuevo: también el bueno es educado, caballero, multimillonario y es guapo (esta última nunca puede faltar si quieren llenar el cine de mujeres, el principal blanco de este tipo de filmes).

Y para aquellos curiosos cuyo deseo es ver qué sucede no quedarán satisfechos (según la página de internet de “Cine Premiere” y comentarios externos el libro es mucho más fuerte que la película).

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Por último les aconsejo esto: si quieren ver una actriz con futuro prometedor, escuchar música muy buena y ver escenas de “soft porn” por unos minutos (saciando así su ansia por saber por qué tanto furor),véanla. Si esperan ver una película 100% pornográfica, no la vean. Si esperan ver una historia de amor diferente, no la vean. Y, finalmente, si esperan ver una película “buena”, no la vean.

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Por Santiago Guerra

El Código Enigma y La Homosexualidad.

Este filme no sólo tiene un hecho histórico muy importante; también nos toca un tema en boga en nuestros tiempos: la homosexualidad.

“Sometimes it is the people who no one imagines anything of who do the things that no one can imagine.” Esta frase, dicha originalmente por el gran amor de Alan Turing en el filme, encaja perfectamente con la temática de homosexualidad y con el código Enigma.

Esta fue una clave muy difícil de descifrar, y con la cual, a través de una computadora, Turing y su equipo lograron romperla; con esto descifrarían los mensajes de los alemanes, previendo sus movimientos y así ganar la guerra.

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De esta máquina y de los conflictos legales y emocionales del protagonista por ser gay es de lo que trata el relato. Narrado de manera excelente (recurriendo a diversos saltos en el tiempo), el largometraje logra provocar a la audiencia empatía con los protagonistas, en especial con Turing (interpretado de manera extraordinaria por Benedict Cumberbatch).

El vestuario y diseño de producción es también asombroso, transportándonos a aquella época. Sin embargo, los chistes y el toque de humor se sienten fuera de contexto; la película hubiera estado mejor si se enfocara en sus toques dramáticos.

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Definitivamente el amor es un enigma, y cambia todos los días; así como el Código. Pero uno deber tener claro la diferencia entre amor y atracción; si no se logra esto, las relaciones humanas pueden complicarse y tener consecuencias.

Alan Turing tenía muy claro sus preferencias, pero la gente no lo entendía. Si esta película se hubiera adentrado más en esto y en su aspecto histórico, tal vez hubiéramos tenido un mejor producto. A pesar de ello, el hecho fue como la computadora “Christopher”: no es lo mejor (como lo existente ahora), pero funciona y es buena.

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Los Juegos del Hambre: Sinsajo (Parte 1) y La Desesperación Antes de La Guerra.

Desesperación. Un sentimiento muy difícil de asociar con la alegría, salvo casos excepcionales. Una emoción capaz de corromper a la persona más buena, o hacer caer a la cuerda en una espiral de locura.

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Katniss lucha con esto al comienzo de “Los Juegos del Hambre: Sinsajo-Parte 1”. Y, a diferencia de sus dos entregas anteriores, esta película se enfoca más en el ámbito político de Panem; la violencia, desatada por estos conflictos, vendrá en la segunda parte, el gran final de esta saga cinematográfica.

Además de meterse más en el drama de las clases altas contra el proletariado ( un conflicto presente desde hace siglos, reflejando situaciones reales de países élites del mundo), el filme nos hace conocer más a nuestros personajes favoritos, adentrándose más en la psicología del personaje. Si a esto le incluimos un mensaje sobre el uso de la publicidad para manipular a las audiencias, tenemos una película hollywoodense realmente fuera de lo convencional.

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Pero, ¿de qué trata? Más o menos de esto, sin dar grandes adelantos: Katniss Everdeen (excelentemente interpretada por la talentosa actriz Jennifer Lawrence) lidia con los estragos del final del ” Tercer Vasallaje De Los Veinticinco”, donde muchos tributos hacen un plan para escapar de la arena de los juegos y comenzar a plantear una revolución desde el escondido Distrito 13; pero, por desgracia, ni Peeta (el compañero de los juegos del Distrito 12 y el eterno enamorado de Katniss) ni Johanna logran salir ilesos de ahí, pues son secuestrados por las fuerzas del Capitolio. A diferencia de sus antecesoras, como ya habíamos mencionado, en esta no hay casi acción, tampoco hay Juegos del Hambre, y tampoco hay muchos escenarios; pero, esto no afecta la historia del filme ni su corazón, sólo le quita un par de explosiones (hay pocas, y con gran efecto dramático).

Aplausos a la parte técnica del filme, sobre todo la fotografía (realmente hacen sentir la desolación y claustrofobia del lugar). Sin embargo se debe hacer una ovación de pie a Jennifer Lawrence, quien nos cautiva todavía más con su personaje de Katniss Everdeen y sus complejos estados emocionales. El único “problema” que le pongo a la película es su final vacío: en estos casos es cuando se nota la parte financiera del asunto (te deja en suspenso, pero no cierra la historia como debería); y aunque sí te deja con ganas de más, se te queda un mal sabor de boca al salir de la sala.

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Calificación: 3 de 4 estrellas.

Boyhood y la Nostalgia

Recuerdos. Tal fácil vienen, tan fácil se van. Así como pueden hacer sonreír, también pueden llenar el alma de soledad y tristeza, añorando la época pasada. “Boyhood: Momentos de Una Vida” (el título de la película en México, dirigida por Richard Linklater) se siente así: la vida de los personajes podría ser cualquiera de las nuestras.

La simpleza de la película es lo que la hace tan especial: relata los pequeños momentos, las intimidades familiares, las experiencias de la vida (los viajes familiares, las visitas a la abuela, las mudanzas, el “empezar de nuevo” en otra ciudad y escuela, etcétera).

Esta es la trama del filme, su esencia: la vida de una familia durante 12 años, con el hijo Mason como protagonista. Y su técnica peculiar para filmarse (se utilizó a los mismos actores durante esos doce años) la hace sentir más en casa y a los espectadores más identificados con las situaciones.

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Puede sentirse un poco larga, pues tiene muchos aspectos a cubrir, pero una buena historia tan bien dirigida, tan bien escrita y tan bien actuada no requiere de excesiva producción para llegar a los sentimientos (de hecho parece un “home film”), y esta excelente película es un claro ejemplo de ello.

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Birdman y La Crisis Existencial.

El filme más reciente de Alejandro González Iñarritu, aclamado por la crítica, nos demuestra cómo los actores enfrentan la decadencia de fama y “el paso de los años”.

Crisis. Una palabra fuerte y con mucho peso negativo en su significado. ¿Qué es? ¿Cómo debemos lidiar con ella? ¿Lograremos superarla? ¿O nos sofocará, haciéndonos caer en un abismo de depresión, locura, o hasta llevarnos a la muerte? Estos temas se tratan en Birdman, la nueva película del aclamado director mexicano Alejandro González Iñarritu, pues su protagonista (un extraordinario Michael Keaton) se ve forzado a lidiar con la decadencia de su fama y su incesante interés de demostrar su talento, y alejarse de la imagen de “superhéroe”, personaje con el cual obtuvo el estrellato (de ahí el nombre del largometraje).

Su pasado cinematográfico lo persigue y lo aqueja en cualquier lado donde se encuentre, y la llegada de un actor joven y profesional famoso por el escándalo (Edward Norton, también espectacular) sólo lo hace caer más bajo en la espiral de locura y desesperación.

Tampoco le ayuda su hija (interpretada por Emma Stone, otra excelente interpretación), con quien tiene una relación distante emocionalmente, a pesar de ahora estar físicamente tan cercanos, empeorando el estado de ánimo del protagonista y demostrando la solitaria realidad del actor experimentado, temas también retocados en la película.

El filme podría llegar a ser un trágico drama, pero he ahí la magia de la narración; por la singularidad y el cinismo de los personajes, además de un guión sorprendente, la historia recae más en el humor que en la miseria; es una historia triste contada en forma de broma. Esto se complementa con la increíble música; tiene una inigualable armonía con los escenarios urbanos y las tomas de cámara (excelentes, por cierto) adquieren parte central de la historia al ser todo en una toma, sintiéndose el público como un camarógrafo, y con ello logrando un mayor enfoque a la narrativa y a la paranoia enfrentada por el personaje principal.

¿Cómo lidiar con el conflicto? Nadie sabe a ciencia cierta, cada uno tiene sus problemas. Sin embargo, la película nos demuestra lo difícil o fácil que pudiera ser resolver las crisis existenciales, todo depende de la actitud ante los obstáculos y la determinación para superarlos.

Por eso este largometraje no sólo es entretenimiento, también es una travesía hacia los rincones oscuros del hombre, hacia los miedos de nuestra mente; pero sobre todo, el viaje hacia el paso a la modernidad, y los conflictos de sentirse rechazado, olvidado, solo, de sentirse incapaz de ajustarse a la realidad actual. En estos casos, como nos retrata Iñarritu en su obra maestra, lo importante es ignorarlo todo y volar.

 

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Misión imposible: nación secreta

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Lo que el viento se llevó

Ciudades de papel

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Los juegos del hambre: sinsajo, el final

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